Redação Culturize-se
A poesia visual, entendida como uma forma de organização textual ou estética que se converte em imagem, está longe de ser um fenômeno restrito ao universo literário. Como lembra o professor Cristhiano Aguiar, da Universidade Presbiteriana Mackenzie, trata-se de uma prática que remonta ao mundo grego, atravessou a exuberância barroca e se reinventou nas vanguardas do século XX, do Futurismo ao Surrealismo. Em exposições de arquitetura e design, ela encontra um terreno privilegiado: ali, formas, cores, volumes e texturas são trabalhados como versos silenciosos, compondo poemas que se leem com os olhos e com o corpo, no ato de habitar o espaço expositivo.
Esses eventos, mais do que vitrines de tendências, são arenas em que inovação e sensibilidade se entrelaçam. Ambientes temáticos e instalações experimentais convidam o público a uma experiência que vai além da mera contemplação funcional. A poesia visual se manifesta justamente na maneira como esses espaços são organizados: cada detalhe, cada linha, cada vazio intencional funciona como sinal de leitura. O arquiteto e o designer atuam, nesse contexto, em duas frentes complementares. A primeira, como construtores de experiência, conduzindo o visitante por meio de sequências visuais que podem ter tanto a clareza de uma narrativa quanto a abertura interpretativa de um poema. A segunda, como tradutores gráficos, no sentido apontado por Ivo Pons, também professor da FAU Mackenzie, responsáveis por transformar conceitos poéticos em identidades visuais reconhecíveis e comunicáveis.
Exemplos recentes ilustram como essa dimensão poética não é mero ornamento, mas força estruturante. A Bienal de Arquitetura de Veneza, em sua edição de 2023, trouxe a proposta de repensar o futuro do habitar a partir do tema The Laboratory of the Future. Vários pavilhões recorreram a soluções que se aproximavam da poesia visual: ambientes que sugeriam narrativas sobre sustentabilidade, diálogos entre tradição e inovação, ou ainda instalações que usavam a própria arquitetura como metáfora, em versos de luz e sombra. Da mesma forma, a Milan Design Week, em 2024, transformou a cidade em um grande livro visual, em que marcas e criadores propuseram leituras simbólicas da vida contemporânea: cadeiras que evocavam o gesto de acolher, luminárias que funcionavam como metáforas da memória, fachadas temporárias que se tornavam haicais urbanos.
Ao unir arquitetura, design e arte, essas mostras reafirmam o que a professora Fanny Grinfeld observa: a arte é tão essencial quanto qualquer outro campo, mas adquire potência quando atua como ponte entre disciplinas. A poesia visual, nesse sentido, não é apenas recurso expressivo; é uma estratégia de mediação. Ela facilita a identificação e o entendimento, como explica Pons, mas também provoca estranhamento, questiona padrões de leitura e reorganiza a percepção do cotidiano.
Talvez por isso, caminhar por uma mostra de arquitetura ou design seja semelhante a atravessar um livro sem páginas. Cada instalação funciona como um poema expandido: o ritmo aparece na repetição de formas geométricas, a metáfora na justaposição de materiais contrastantes, a elipse no espaço deixado em branco, que sugere movimento ou ausência. A experiência se dá, então, na confluência entre utilidade e imaginação, técnica e lirismo, inovação e memória.
A presença da poesia visual nessas exposições é um lembrete de que o mundo construído não é apenas funcional. Como toda poesia, ela nos devolve o encantamento, mostrando que uma cadeira pode ser mais do que assento, um ambiente mais do que abrigo, uma mostra mais do que catálogo. Quando arquitetura e design assumem essa dimensão poética, eles se tornam também literatura em outro idioma — um idioma que se lê com os olhos, mas se sente com todo o corpo.